Um belo embaraço, já que – para aqueles que não conhecem – a dupla de grafiteiros paulistas já foi tema de matérias no New York Times e, até mesmo, pintou a fachada do Tate Modern, o museu de arte moderna de Londres.

Outro que já foi vítima desta confusão artística foi Alexandre Orion. Adepto do reverse graffiti, o artista chegou a ser abordado pela polícia enquanto fazia um trabalho nas paredes do túnel Max Feffer. Como ele fazia? De um jeito muito simples! Com um pano molhado nas mãos, Orion ia limpando a sujeira das paredes do túnel, imprimindo um grande painel de caveiras. Não podemos nem dizer que ele estava vandalizando o túnel, afinal, ele estava limpando.

Já na Bélgica, o preconceito contra as artes urbanas é um pouco diferente e a sustentabilidade nesta área ganha até destaque.

Pelo menos foi o que aconteceu com o trabalho do artista belga De Invasie. Munido de uma lavadora de alta pressão como pincel e uma parede mofada como tela, De Invasie montou nos muros da Stuk, um famoso centro de artes, localizado no coração da cidade de Leuven, uma exposição a céu aberto.

Assim como Alexandre Orion, o De Invasie simplesmente limpou o muro com água reciclada (e sem nenhum tipo de produto químico) para imprimir sua arte, composta por robôs e seres humanos. Preciso dizer mais? Confira abaixo as fotos da obra e tire suas próprias conclusões. Em minha opinião, e reforço, humilde opinião, não poderia ter arte mais natural do que esta.

Hoje, 9 de novembro, desembarca no Brasil o projeto “I Love Bobbies” (em tradução livre, “eu amo peitos”). Com a presença do artista americano Mike Kershnar, o projeto internacional em prol da luta contra o câncer de mama, terá a sua primeira edição no Brasil e contará com 15 bustos em gesso personalizados por artistas brasileiros e estrangeiros.

Moldados a partis dos bustos da atriz Sabrina Machado, as peças serão leiloadas para um grupo de convidados, no espaço do coletivo Amor de Madre, e toda a verba arrecadada será revertida em projetos de educação do câncer de mama no Brasil.

A presença do artista americano não é à toa. Mike Kershnar, que tem como símbolo os desenhos elaborados com pequenos traços, faz parte do time Element, marca da qual participa ativamente, desenvolvendo estampas e projetos, há mais de uma década.

Sua relação com a marca começou no acampamento YMCA da Element, onde conheceu o fundador e presidente Johnny Schillereff. Juntamente com Todd Larson, os três formaram o Elemental Awareness, a ala sem fins lucrativos da marca.

Além do busto, Mike Kershnar realizará um live painting na sexta-feira, 11 de novembro, das 14h às 18h, e participará – paralelamente – da première do vídeo Rise and Shine, sobre o skatista Nyjah Huston, também do time Element. Vale a pena ir conferir e conhecer o artista!

O coletivo Amor de Madre fica na rua Estados Unidos, 2186 – Jardins, em São Paulo. Já a tela produzida por Kershnar, fica no local até o dia 13 de novembro. Abaixo você confere alguns bustos produzidos no projeto.

Valendo-se principalmente de jogos modernos de consoles e computadores, a proposta de Dead End Thrills não é mostrar se jogos eletrônicos é arte, mas sim a arte neles presente. E eles conseguem!

Utilizando-se de alguns truques para alcançar a imagem perfeita, a brincadeira se posiciona dignamente como um trabalho de um fotógrafo, que sabe o que está fazendo com a câmera mais digital que alguém poderia ter, equipada com free camera controls, no HUDs, 2160p renderings e afins.

E como o próprio criador diz “There is no discrimination here. Art is art”, você pode tê-las como o seu fundo de tela e, se der sorte, também estarão disponíveis em resolução param serem impressas e ficarem lindonas na parede do seu quarto.

Agora com licença que vou ali fotografar Pong.

O curta chamado de “La Maison en Petits Cubes“, ou “A casa em pequenos cubos” ganhou prêmios importantes no seu ano de estreia, 2008, entre eles o de melhor curta pela Annecy International Animated Film Festival e em 2009.

A animação é sobre a história de um velhinho que, devido ao avanço do mar, constantemente tem que construir um novo andar em cima da sua casa. Cada quadro foi trabalhado com cuidado e mostra muito sentimento da parte do criador, Kunio Kato, que leva ao espectador por uma viagem ao passado, as suas lembranças e emoções, tornando esse trabalho belíssimo. Vale a pena conferir!

Os Artistas:

Alexandre Cruz, também conhecido como Sesper, montou seus quadros através de materiais que guardou durante quase 10 anos. Inspirado na estética punk do final da década de 70, seus trabalhos passam mensagens que remetem a uma sociedade caótica e violenta.

Walter Nomura, também conhecido como Tinho, criou seus trabalhos envoltos em questões políticas e sociais. Através de colagens de revista e interferência sonora, seus quadros transmitem o sentimento da vivencia em uma sociedade sem valor, autodestrutiva e encharcada de exploração.

Fabio Zimbres utiliza materiais que vão de jornais pintados de branco à folhas de alumínio. Nessa exposição, ele reúne quase 10 anos de produção, em uma coletânea que lida com o cotidiano misturado ao hábito de desenhar sem a menor preocupação.

A galeria:

A LOGO surge com a união de 3 figuras das artes. A curadora Carmo Marchetti, formada em História da Arte pela Università di Roma, Lucas Pexão, jornalista e idealizador da mostra itinerante Transfer, e Marcelo Secaf, médico radiologista, colecionador e ex-integrante do Conselho Administrativo da Pinacoteca do Estado de São Paulo.

Segundo Carmo, a galeria foi criada com a intenção de ser uma plataforma de discussão. Além disso quer acolher projetos, dar oportunidades e enxergar o talento em pontos que fogem do circuito de arte tradicional. Através dessa perspectiva, voltada para o estudo da arte urbana, o local pretende fazer pontes entre os artistas e nas palavras dela: “Queremos mostrar o que a gente acredita que é arte”.

Plus: MCD Lab #3

A exposição itinerante faz sua terceira edição na Logo. 10 artistas, sete brasileiros e três californianos, criaram serigrafias sobre papel com temas do imaginário pop e da contracultura californiana. A mostra ainda conta com performances audiovisuais do projeto Vallejo Sunset e do artista Matt Furie.

Serviço:

Visitação de 30 de Julho a 10 de Setembro de 2011
de terça a sábado, das 11 às 19h

Abertura 30 de Julho, sábado, das 11h às 21h

Galeria LOGO: Rua Artur de Azevedo, 401, São Paulo, Brasil

Branco, negro, chinês ou hindu. Não importa como você é, toda pessoa é um ser único. Todos somos diferentes e ao mesmo tempo somos iguais. Com duas pernas, sejam elas mecânicas ou não.

Esses são apenas pensamentos dispersos em um parágrafo, mas leis que todos nós deveríamos lembrar ao se levantar da cama. Afinal, ter preconceito todos nós temos, mas coloca-los acima da nossa humanidade é o que nos estraga.

Foi pensando nestes conceitos que decidi apresentar o Pantone de raças. Trabalho do artista francês Pierre David, a coletânea de fotos forma um acervo dos diversos tons de pele.

Mas basta bater o olho no trabalho para lembrar uma coisa. Não importa o qual o seu tom de pele, todos somos humanos e ainda moramos no mesmo planetinha poluído e azul.

Na bela frase do meu amigo Fernado: “Nem todo beco é violento, nem todo sorriso é verdadeiro e nem todas as ruas são asfaltadas!”

Nascida em Joinville, Santa Catarina, começou a colecionar revistas Bravo com 15 anos. Naquela época já sentia vontade de estar por dentro de tudo que acontecia nos polos culturais, mas o que a deixava mais extasiada eram os retratos marcantes publicados pela revista. Foi nesse momento que começou a observar fotografias.

Quando terminou o colégio teve importantes decisões a tomar: vir para São Paulo e decidir que curso estudar. Foi então que a paixão pelas imagens chegou com toda força, entre audiovisual, cinema e outras coisas… Decidiu pela fotografia!

Até o primeiro dia de aula, Ana não sabia mexer em uma câmera analógica ou digital. Foi na faculdade que ela aprendeu todas as técnicas e formas de fotografar, as quais usam no seu trabalho autoral. Ao descobrir as fotos feitas por Francesca Woodman, seu olhar começou a tomar uma direção mais exata.

A mistura de Dionísio com o olhar sombrio de Woodman

Através do universo sombrio e feminino de Woodman e da mitologia grega, Ana desenvolveu a série denominada Mênade. A sequência de auto retratos entra no universo de Dionísio, o Rei do Vinho, partindo das mulheres que o seguiam em suas festanças, mais conhecidas como mênades.

Mergulhando na ideia do carpe diem, da loucura, extravagancia, luxuria e da suspensão dos juízos de valor, que as imagens foram construídas. Além de usar técnica de múltiplas exposições em filme P&B, seu trabalho ganha uma força intensa.

Criada a partir do completo acaso das misturas de imagens, a série – nas palavras de Ana: “Não tem como controlar os acontecimentos, eu me aproprio das imagens que surgem e então descubro o resultado. Com o negativo completamente exposto e misturado, vou extraindo as cenas e criando a história”.

Quem é essa garota?

Ana Stein tem 21 anos, é fotógrafa e trabalha com edição de imagens em uma produtora paulista. Apaixonada pelas câmeras antigas e filmes, seu atual desafio é transportar o trabalho em preto e branco para novas tentativas com cores. Já expôs sua série na Serralheria, uma mistura de bar galeria, e ainda pretende mostrar suas imagens para muita gente por ai.

Além de todos os problemas já intrínsecos no “quase personagem” que era, conseguiu ainda adicionar tempero a sua história: Cortou uma orelha, entrou em uma espiral rumo a uma doença mental profunda e, por fim, cometeu suicídio.

O sucesso? Póstumo e quase quinze anos após sua morte. Este foi Vincent Van Gogh.

Uma história e tanto para aquele que é considerado um dos maiores pintores de todos os tempos. Que morreu na margem da sociedade e hoje tem seu próprio museu na capital do seu país de origem.

Aliás, esta foi apenas a introdução. O grande foco do nosso bate papo de hoje é a identidade visual do Van Gogh Museum.

Aberto em 1973, o Van Gogh Museum fica na capital Amsterdã e reúne mais de 200 pinturas e cartas do artista holandês. Além disso, o espaço recebe mais de 1,5 milhões de pessoas por ano, o que o transformou no vigésimo terceiro museu mais visitado do mundo (segundo a The Art Newspaper).

Em resumo, um museu desta importância não poderia ficar com uma identidade visual – em uma analogia infame – parecida com Van Gogh no fim da carreira. Por isso ficou a cargo da Koeweiden Postma a árdua tarefa de remodelar a marca.

Agora, prestem atenção designers, como podemos criar uma identidade visual consistente, simples e que representa – muito bem – a essência do cliente.

Basta pensar um pouco! Se Van Gogh é um dos maiores pintores da história, por que criar um desenho que represente o artista? A solução mais lógica é usar o próprio desenho dele. No entanto, transformar os quadros do pintor em identidade visual seria o mesmo que criar manchas na redução.

Por isso os designers do estúdio holandês se basearam nas pinceladas das obras do artista, principalmente do quadro “O Ceifeiro”, para criar uma textura que pudesse ser replicada de forma homogênea e em diversas cores.

Definido a paleta de cores e o símbolo. A tipografia simples, arredondada e fina, acompanha o estilo da textura, criando um conjunto visual fantástico. Daí para as aplicações, foi mais fácil que pendurar um quadro. Confira abaixo:

Para quem não fugiu das aulas de história da arte, sabe que o pintor francês participou de uma época que chamamos de impressionismo. Os participantes deste movimento era o que podemos chamar, dos “do contra”. Não concordavam com a cultura tradicional da época, não se interessavam por temáticas que refletiam fielmente a realidade e – o mais importante – pintaram da sua própria maneira.

Entre um chá de cogumelo e crises de existencialismo, os artistas da época descobriram que a melhor maneira de criar contraste entre luz e sombra era por meio das cores complementares, ou seja, um verde próximo de um vermelho criava um efeito melhor do que o “sistema” tradicional.

Com esse conceito, unido a outros fatores, surgiu o pontilhismo. O pontilhismo é aquele tipo de trabalho que nos faz querer matar um professor e que podemos chamar de trabalho de presidiário. Leva horas para se produzir algo e o resultado pode não ser tão bom. Podemos dizer que o pontilhismo evolui e hoje chamamos de pixel art, o que não muda muita coisa.

Foi com um conhecimento profundo na arte e uma paciência maior ainda que o artista alemão Andrew Myers começou a criar suas telas em 3D com parafusos. Isso mesmo! Eu disse parafusos. Munido de uma chave-de-fenda eletrônica, Myers usa a profundidade para criar luz e sombra unida a tinta para pintar em cima dos parafusos. Criando uma arte única e bem diferente.

O trabalho é genial, a obra é fantástica, mas haja paciência e disciplina. Isso Myers parece ter de sobra.